作为艺术爱好者，你心中具有美妙旋律的油画是怎样的，举例说明？

于01-30发布在栏目【经验】已阅0次

具有美妙旋律的油画。这个主题中最重要的是“旋律”。旋律本身是个音乐概念，在美术中也会经常用到。但是画画的有几个真正能搞明白视觉艺术中的“音乐”？这个我看了所有回答觉得大部分人搞不清楚！
可能很多人只能是“觉得好看”，就想当然的认为这个画有“旋律”。但是，你让他说明好在哪里？原理是什么？什么样的旋律？估计他们就一问三不知了！
想搞明白这个问题，首先要明白怎么样通过视觉语言来表达“听觉”产生的韵律美妙感觉！这个原理来源于心理学中的“通感”原理！
通感就是把不同感官的感觉沟通起来，借联想引起感觉转移，"以感觉写感觉"。文学艺术创作和鉴赏中各种感觉器官间的互相沟通。指视觉、听觉、触觉、嗅觉等等各种官能可以沟通，不分界限，它系人们共有的一种生理、心理现象，与人的社会实践的培养也分不开。在通感中，颜色似乎会有温度，声音似乎会有形象，冷暖似乎会有重量。如说"光亮"，也说"响亮"，仿佛视觉和听觉相通，如"热闹"和"冷静"，感觉和听觉相通。用现代心理学或语言学的术语来说，这些都是"通感"。
那么怎么样利用视觉元素表现声音感觉呢？这里就需要了解视觉心理学中的“形式美感法则”。
形式美法则，是人类在创造美的形式、美的过程中对美的形式规律的经验总结和抽象概括。主要包括:对称均衡、单纯齐一、调和对比、比例、节奏韵律和变化统一。研究、探索形式美的法则，能够培养人们对形式美的敏感，指导人们更好地去创造美的事物。掌握形式美的法则，能够使人们更自觉地运用形式美的法则表现美的内容，达到美的形式与美的内容高度统一。
形式美感法则里面关于节奏和韵律以及对立与统一法则都是与“声音”有关的法则。这两条法则在音乐专业中也经常会用到。比如音乐中的和声就是研究声音的对立与统一的美感。
绘画与音乐之间相互渗透，音乐常被称为流动的绘画，绘画也常被称为凝固的音乐。抽象派艺术大师康定斯基在《论艺术里的精神》中提到“色彩是琴键，眼睛是琴锤，灵魂是紧绷许多根弦的钢琴，艺术家就是弹琴的手，只要敲下一个个的琴键，就会触动心灵最深处的悸动。”用生动的比喻，描绘出画家在绘画时对“心灵”的把握。表现出来，便是绘画作品中韵律节奏的体现。无怪乎人们在评论绘画作品时，经常喜欢用“节奏感”“韵律美”这样的词句，诸如“观赏这幅画竟然象欣赏一首乐曲”、“这张画节奏感很强”、“这幅画很有韵致”等等。
由上可知，绘画中的韵律节奏就是：
绘画中，两个或两个以上可以给人在视觉上产生对比的因素成一种非绝对规律的方式排列组合，就是可以产生韵律节奏。
那么如何在绘画中形成韵律节奏？
优秀的绘画，都会给人一种韵律感、节奏感，那么，这种韵律感、节奏感是什么，是通过什么来体现的，这还是要通过画来说，我们在看德加的油画时（如图擦身的妇女），往往会觉得德加的线条用得很活，线条的松紧，虚实把握得已经接近完美，而且很多没有画出来的线，我们也会感觉他是存在的，这种线条松紧、虚实的排列，构成了画面中的韵律节奏，使人们觉得画面有起伏，生动。看席勒的画，特别是席勒的人物，则是另一种感觉，这种感觉是画中人物那种变态的姿势，以及色彩和线条的排列所体现的疏密关系。席勒往往在处理人物的头部，手脚时和在处理衣服时所用的方法是不一样的，可能是头部，手脚运用很多的线条，而衣服运用的线条很少，或是头部，手脚运用很少的线条，而衣服运用的线条却很多，这在突出人物头部，四肢的同时，线条的排列也会给画面带来一种韵律感。莫奈画中的冷暖关系，伦勃朗画中明暗调子的虚实对比，包括马蒂斯的画中点，线，面的互衬，都是构成韵律节奏的元素。
不过这些都是西方画家作品。因为文化隔阂，不一定能感受到美感。
笔者推荐的中国画家中韵律美最突出的就是吴冠中大师！
吴冠中（1919—2010），江苏宜兴人，当代著名画家、油画家、美术教育家。致力于风景油画创作，并进行油画民族化的探索。他力图把欧洲油画描绘自然的直观生动性、油画色彩的丰富细腻性与中国传统艺术精神、审美理想融合到一起。吴冠中先生是中国美术学院的学术旗帜，是继林风眠先生之后弘扬国美精神并形成一代业绩的艺术大师。他的艺术是林风眠先生等开创的中西融合道路上的一座高峰。吴冠中是20世纪现代中国绘画的代表画家之一，为中国绘画发展做出杰出贡献！

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是自己内心看到的世界，向阳花开，美妙旋律在心里流动，纯美的自然风光，欢快的节日，烟花照亮夜色多美好，印象色彩斑斓，江山如画。

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莫奈，雷诺阿，梵高，珂罗，还有米勒都是我心目中最喜欢的大家，莫奈的印象色彩迷离迷幻，阳光和物体的表现发挥到了极致。雷诺阿的印象人物改变了一个时代的思维模式，从具象到印象，是油画人物的一个飞跃。珂罗的风景有一种风吹过的动感，使人身临其境感受乡村浓郁的气息。米勒用最朴实厚重的笔法表现最真实的乡村景色，每一笔都是作者对家乡的眷恋，深深触动了我。他有一句名言，我出自农夫必将已农夫死，这句话一直鼓励和鞭策着我走自己的路。

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看到这个问题，我第一个想到的是台湾画家罗展鹏。超写实但又能够表现出人物的灵魂，画面细腻柔软有层次。他创造了一种叫做像素罩染的画法，在罩染以后不停止，也不止加入白色，而是类似像素般地混入其他的色彩，并且在罩染层将干未干之际使用扇形笔将颜料融合在一起，使得底色、罩染层和新加入的第三次混合色彼此片段交错，互相影响。要掌握好罩染层将干未干的状态并非易事，这取决于时间和天气，因此他说他是与自然一起完成作品的，如同呼吸，如同生命的本质。我想这就是具有美妙旋律的油画吧。

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油画是西方的一种艺术表现形式。我虽然不会画油画，但是我酷爱油画，包括风景人物等范筹。

改革开放以后，中国画坛涌现出很多极具艺术感染力的油画大师，我最崇拜的油画大师，是李自健老师，他的代表作品《南京大屠杀》让人特别震撼。作品的表现手法很有深意，一个失去亲人的孩子，站在被日军杀害，堆积如山的尸体上面，无奈的哭泣。一个日本军官手扶着军刀，站在死难者面前，一付不可一世的样子。一位佛教大师站在尸身跟前，双手合十为他们祈祷。看着画，我流着泪。死难者痛苦的面容，让我心痛，善良与邪恶的碰撞。她深深的触动了我的心灵。

我后来了解到李老师创作这幅作品的艰辛过程，更看重这幅巨作的深刻内涵。李老师有幸结缘了佛教大德星云法师，星云法师对李老师教诲道；＂要想画出一幅不朽的作品，必须忘掉自己，忘掉过去的一切，让自心去流露＂。李自健老师听从星云大师的教诲，闭门谢客，开始了长达五年时间的闭关，最后让这幅极具历史价值的作品呈现在世人面前。

我为什么特别喜欢这幅巨作，因为做为一位艺术家，创作出优秀的作品很难，不像一些具实做品，

只要掌握技能，就能出作品，像这种大作，她是极耗作者心力的，所以我特别推崇这幅画。

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我喜欢超写实油画。用手和笔把物品，风景，人物画的逼真，维妙为肖，传神，是多么不可思意。做为画者要有多么超乎寻常的技艺和功底。做为欣赏者，给人一种美的享受和艺术的震撼。，对画者和作品留下深刻的印象。久久不能忘怀。

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<2>作为艺术爱好者，我心目中具有美妙旋律的油画是印象派的油画作品。

例如莫奈的作品。印象派画家非常注重光的流转，把一个物体，或者景物画出了虽着光线的移动而动的感觉。印象派大师莫奈把自己的思想感情迁入景物里去，深入体会景物的情趣，他的画作包藏着他真诚的思想感情，这也正是他的作品经久不衰的生命力所在。
印象派是在感受所画的场景的本质，用颜色来描绘场景，记录所有的微小细节都在光的时间移动里。在不被细节所迷惑的情况下，再现风景的一般印象，可选择在绘画时眯起眼，你将只看到场景的主要形状、颜色。
在印象派画家之前，阴影是用中性色调的灰色、深褐色。风景画是一种记录瞬间快速准确印象的方法，室外的绘画速度要足够快，光线条件不要变化太大，是一种接近印象派绘画风格的方法。
印象派虽然诞生在一百多年前，但仍有极强的时代感：印象派反映平民生活和自然风光，亲切生动，符合现代人对绘画的认知；画面明亮灿烂、笔触奔放有力，极富动感，符合现代人快节奏生活方式的需要；画作充满唯美的元素、洋溢着激情的色彩，符合现代人对美好事物的向往。

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受19世纪俄罗斯现实主义绘画的影响，我心目中的油画作品是粗犷的笔触，精准的结构，厚重的色彩，深沉的意境。通过对简单生活场景的艺术构思、刻画，表现生命的意义以及人性的光辉，既赏心悦目又回味无穷。

我喜欢画家郑岩的油画作品，她的画坚毅中不失唯美，充满了对生活的理解与热爱。

这幅《壮行》是郑岩2010年的油画作品。画面中的羊群像游走的音符伸向无尽的天边，白雪黑土，寒影暖阳，交错的车辙，深陷的足迹，纵队排列的羊群和大面积舒展平铺的雪地形成深邃的空间，张弛有度，有如宏大的生命乐章。这张画借北方严冬，描绘生命的浩瀚与顽强。冷风吹着尖声的哨子狂野地奔跑，拂卷着覆盖的冰雪，扫露出坚实的冻土。万生隐迹，晨辉西照，一只只披着厚重毡毛奔腾行进的冬羊，像彩霞里耀眼的精灵。